multidicplinary art space & pop-up gallery
KOOLA art space pop-up gallery
Fleminginkatu 21; Helsinki
upcoming
MAYAH HOLMBERG 7.9.2024-18.9.2024
ZAKARIA HUSSEIN 30.9.2024-5.10.2024
AME INDIGO KÄRKKÄINEN 7.10.2024-19.10.2024
NADJA MIKKILÄ 21.10.2024-27.10.2024
CANSU PYLKKÄNEN 28.10.2024-10.11.2024
SAARA SIMONEN 11.11.2024-24.11.2024
Sofia Eskola, Miia Korhonen & Viivi Päiväsaari 25.11.2024-1.12.2024
2.12.2024-14.12.2024
SUVI BERG, MATILDA PALMU, SINI SUODENJOKI, TOMI ÅBERG, EMMA HALLIKAINEN, ANA-MARIA GRIGORESCU, ANNA HALLIKAINEN, JUULIA JURVANEN, SAARA TANI, SOFIA SIMELIUS, SAHAR AJAMI, SALLA SILLGREN, SANNA KOSKIMÄKI, EDUARDO TEJEDOR, XIMENA GAMBOA
Mayah
Holmberg
‘ON LOVE, SEX AND REVOLUTIONS’
7.9.2024-17.9.2024
Sun 8.9.2024 11-15
Mon 9.9.2024 15-19
Wed 11.9.2024 15-19
Fri 13.9.2024 17-19
Mon 16.9.2024 17-19
Wed 17.9.2024 14-16
What is a revolutionary act? ‘On Love, Sex, and Revolutions’ explores the questions of change, power shifts, and structural transformation from a personal perspective—focusing on gender, the body, and societal control.
The exhibition invites you to explore revolution(s) as a personal phenomenon and a redefinition of identity. Holmberg’s exhibition features a range of her works dating as far back as 2000, and includes both individual pieces as well as the series ‘Unsolicited’ and ‘The Body Issue(s)’.
unsolicited (my life with the Dicks)
2020-2022
While working on a feminist performance project, Holmberg began receiving unsolicited explicit photos from unknown men on her Instagram. "My first reaction to these images was a mix of shame and self-blame," she recalls. "I questioned whether I had posted something inappropriate or crossed some boundary that triggered this behavior." Determined to disrupt this distorted power dynamic and thought pattern, she started to transform the grotesque images into something she found aesthetically pleasing. Each piece was created in the moment or shortly after receiving the photos and includes the date and details of the social media post that prompted the reaction.
the body issue(s)
2023-2024
‘The body issue(s)’ invites viewers to confront their own perceptions of bodies and the portrayal of bodies in arts and society. It challenges us to consider how we perceive our bodies in an environment where everything is curated, edited, and transformed into a constant digital stream of consumption. With a background in dance, the artist has been particularly interested in body-specific hierarchies and has used her own body as a vessel to create the works in this series. The title refers to an earlier publication by Elle magazine, The Body Issue, which during the early 2000s, when Holmberg was in her early twenties, predominantly featured heavily edited and curated images of female bodies, along with dieting tips, to conform to societal norms.
Mayah Holmberg is a multidisciplinary artist and cultural studies scholar currently based in Helsinki.
zakaria
hussein
30.9.2024-5.10.2024
Mon 15-19
Wed 12-16
Fri 13-17
Sat 11-15
Zakaria Hussein is en emerging artists from Punavuori, Helsinki, known for vibrant and colorful creations.
"Art became a significant part of my life only in adulthood, and it serves as a way for me to express deeper emotions and depict the world in my own unique way. Each piece is a part of me, and I hope it evokes emotions and thoughts in the viewers."
The upcoming exhibition will be incredibly colorful, inviting viewers to immerse themselves in the world of colors without fear or limitations. The works in this exhibition are filled with energetic expression and bold play between tones, shapes, and contrasts. Each painting is an independent exploration, where colors not only meet but collide, merge, and explode into new light.
Ame Indigo Kärkkäinen
‘GUIDING LIGHT PUSHES US FORWARD’
8.10.2024-19.10.2024
Opening Tue 8.10.24 17-19.30
Wed 9.10.24 12-16
Fri 11.10.24 13-17
Sat 12.10.24 11-15
Mon 14.10.24 15-18
Wed 16.10.24 12-16
Fri 18.10.24 13-17
Sat 19.10.24 11-15
Ame Indigo Kärkkäinen (b.2000) is an oil and mixed media painter currently working in Helsinki. They combine their love of film, music, spiritual- and social studies to form dream-like paintings.
Kärkkäinen is an intuitive painter, who uses their perception of color to communicate abstract themes like emotionS, ambience, recordings of movement and sound.
Their work is heavily inspired by self reflection and shadow work, Queer culture, extraterrestrial life, love, body image, gender, spirituality and how the current society reacts to all of the above.
Kärkkäinen is currently preparing for upcoming exhibitions, and hosting art nights.
NADJA MIKKILÄ
‘Seascapes and creatures of the sea’
21.10.2024-27.10.2024
Wed 12-16
Thu 12-16
Fri 13-17
Sat 11-15
Sun 11-17
Nadja Mikkilä, born in 1981 in Hamburg, Germany, is an artist now living in Vihti, Finland. She began her artistic journey at the Hamburg Academy of Design. Her passion lies in traditional painting and drawing, particularly in creating abstract landscapes and detailed depictions of animals.
Nadja’s landscape paintings are personal, often inspired by dreams and emotions. Having moved frequently and lived in various cities, she draws from these experiences to capture fleeting moments and moods in her work.
Animals have always been a central theme in Nadja’s art. From childhood to the present day, she has been captivated by the natural world, with a particular focus on portraying animals with care and detail. In a time when climate change and animal extinction are pressing concerns, Nadja’s work highlights the significance and unique character of animals, whether they are part of our everyday world or something more fantastical.
The exhibition features a series of abstract landscapes and detailed drawings, where the majesty of the sea merges with its inhabitants—both real and imagined. The abstract seascapes in the exhibition convey the vastness and power of the ocean’s storms, capturing its ever-changing moods.
Alongside these landscapes are intricate depictions of marine creatures, which are partly real and partly mythical. Through these works, viewers are invited to dive into the endlessly wondrous sea, a realm that remains largely mythical and unknown to us humans.
CANSU PYLKKÄNEN
‘Ancient Textures’
PUBLIC OPENING EVENT
Mon 28.20.23 18-20
Exhibition open:
29.10.2024-10.11.2024
Mon 11:00-17:00
Tue 11:00-17:00
Wed 12:00-16:00
Thu 11:00-17:00
Fri 13:00-17:00
Sat 11:00-15:00
Sun 11:00-15:00
The "Ancient Textures" collection is a captivating series of fine art prints that explores the intricate and natural formations of Pamukkale, a UNESCO World Heritage Site renowned for its stunning terraces and mineral-rich pools.
This collection offers a unique glimpse into the timeless beauty of Pamukkale's sculpted landscapes, emphasizing the natural and ancient qualities that have drawn visitors for centuries. Each piece within the series celebrates these formations' remarkable textures and details, showcasing the mesmerizing and historically significant aspects of Pamukkale’s terraces.
"I find fulfillment in reconnecting with my cultural roots and delving deeper into the traditions that have been dormant since I departed from there in 2010.” - Cansu Pylkkänen
Designed to evoke a sense of tranquility and connection to nature, the "Ancient Textures" collection offers a serene and immersive experience, perfect for an audience appreciative of natural beauty and fine art.
Helsinki-based emerging artist Cansu Pylkkänen (b.1987, Turkey) primarily works in photography, acrylic and oil painting, visual media art, and performance art. Pylkkänen is a thoughtful, creative, and sensitive person who loves challenges and is not afraid to explore herself through art. The subjective character of her work allows viewers to learn about the artist; her story and her life philosophy.
Pylkkänen uses color as the most powerful narrative tool to evoke emotion at first glance. She looks for the exceptional in the ordinary and makes it visible by investing in the abstraction, the metaphorical meaning, the atmosphere, the transmitted feeling, and the artistic quality of the work.
saara simonen
‘water and dreams’
11.11.2024-23.11.2024
11.11. opening 17-19:30
12.11.24 15-19
13.11.24 12-16
14.11.24 15-19
15.11.24 15-19
16.11.24 11-15
17.11.24 11-17
18.11.24 15-19
19.11.24 15-19
20.11.24 12-16
21.11.24 15-19
22.11.24 15-19
23.11.24 11-15
This summer, I have swum every day. Daily swimming has made room for waves, for dreams that appear from behind the archipelago. I’ve been careful not to hit the bottom, allowing the water to carry my entire weight, becoming part of the surface. Sometimes it feels as if I am nothing but a mere reflection; I walk along the shore, searching in the water’s glossy surface for my own outline – reflected light.
Water and Dreams is a kind of imaginative diary that explores the materiality of water and its reflections. In other words, the exhibition is a study of natural waters – especially the sea – wandering along shores and swimming.
The works intertwine techniques from painting to sculpture and various forms of textile art. The ensemble incorporates materials found on the seashores and in the water during the summer, such as plastic and glass, upon which time and waves have left their marks.
The exhibition has been influenced and inspired by the bachelor's thesis in aesthetics I wrote in the spring of 2024, Water in Edvard Munch's Paintings, where I explored and applied the ideas of French philosopher Gaston Bachelard (1884-1962) on water and imagination. The exhibition's title Water and Dreams refers to Bachelard's philosophical essay collection of the same name.
Additionally, the exhibition has been inspired by the swimming diary I started in May 2024 and the challenge to swim in natural waters every day for a year, as well as my personal need to wander and contemplate along the seashores.
Saara Simonen (b. 2001) is a visual artist and student of art studies based in Helsinki. Her work often focuses on exploring the possibilities of various materials, such as moldable masses, beads, lace, thread, and paint, and how these materials intertwine. Simonen is interested in combining traditional painting with spatial and temporal art, sculpture, and various textile art techniques. In her works, she strives to understand the distance between the present and the past, folds in time; the nature of childhood, echoes, reflections, memories, and dreams.
Sofia Eskola, Miia Korhonen
& Viivi Päiväsaari
‘Hepsankeikka’
25.11.2024-1.12.2024
Opening Mon 25.11.2024 17-19.30
Wed 12:00-16:00
Fri 13:00-17:00
Sat 11:00-15:00
Sun 11:00-15:00
Is taking a self-portrait a search for oneself or a confrontation? Do we truly want to break the fourth wall, or are we simply marketing an illusion of ourselves? The Hepsankeikka exhibition explores our relationship with self-portraits, their necessity, and the inherent conflict between seeing and being seen.
Through self-portraits, we also broadly examine themes of femininity: How to exist in contemporary society? Can I be provocative, flirtatious, silly, and still be taken seriously?
The exhibition consists of archival photographs taken between 2017 and 2024. The collection offers a personal insight into how we have explored and redefined ourselves through self-portraiture.
Sofia Eskola (b. 1990) is a visual artist studying photography at the Lahti Institute of Design. Sofia's visual language is docufiction, and her goal is to raise more questions than provide answers.
Miia Korhonen (b. 2000) is a visual artist whose photography is based on self-portraits and documenting the surrounding world. Her work is both intuitive and constructed. Miia is currently studying at the Lahti Institute of Design.
Viivi Päiväsaari (b. 1999) is a visual artist working with lens-based art using analog methods. Her approach is largely intuitive, allowing for an experimental, playful, and curious exploration of photography and its possibilities. Viivi is studying photography at the Lahti Institute of Design.
december group exhibition
opening event mon 2.12.2024 17-19
3.12.2024-14.12.2024
Mon 13-16
Tue 17-19
Wed 17-19
Thu 17-19
Sat 11-14
Sun 11-14
JOULUKUUN RYHMÄ NÄYTTELY
Emma Hallikainen on kuvataiteilija, jonka työ keskittyy ihmissuhteiden ja yhteyksien tutkimiseen niiden monissa muodoissa - yhteyksien hänen sukulaisiinsa, ystäviinsä, entisiin rakastajiinsa ja tuntemattomiin ihmisiin. Tällä hän kannustaa katsojaa kohtaamaan ympäristön lempeydellä.
Emma katsoo etäältä mutta läheltä läheisiään, heidän kasvuaan ja muutoksiaan.
Hän etsii herkkyyttä pienistä yksityiskohdista ja arkisista eleistä. Ryhmänäyttelyssä Emma esittelee teoksen "Dad brushing hair".
Anna Hallikainen on Helsingissä asuva monipuolisesti taiteen kentällä toimiva taiteilija. Hän opiskelee toista vuotta Taidekoulu Maan nykytaiteen päivälinjalla. Hallikainen käyttää työskentelyssään monia eri medioita, kuten öljyvärimaalausta, valokuvaa sekä liikkuvaa kuvaa. Työskentelyssään hän tutkii muun muassa muutoksen, leikin ja ystävyyden teemoja erilaisten muistojen ja kohtaamisten kautta. Hallikaista kiinnostaa erityisesti tutkia herkkyyttä, sekä sitä kohti kulkemisen tiellä heräävää häpeää ja ristiriitaisuutta. Hallikaisen työskentely pohjaa usein materiaaleihin ja visuaalisuuteen, jotka ilmenevät hänen maalauksissaan yksinkertaisten objektien ja elementtien kuvaamisen kautta. Näennäisen pieniin tai arkisiin aiheisiin sitoutuu symbolista syvyyttä, jotka jättävät katsojalle vapaan tulkinnan varaa. Näyttelyssä on esillä Hallikaisen teos Nukkekoti.
Åberg on vuonna 1996 syntynyt kuvataiteilija. Hän työskentelee monialaisesti piirtäen, maalaten ja veistäen. Taiteessaan hän käsittelee ihmistä, historiaa, myyttejä sekä sisäistä bi-eroottista, romanttista ja eskapistista tunnemaailmaansa. Åberg yhdistelee varsin vapaamielisesti antiikkia ja keskiaikaa oman mielikuvituksensa tuotoksiin ja harkittuun symboliikkaan. Viime aikoina hän on piirtänyt erityisesti käärmejalkaisia tai käärmeitä piteleviä jumal- ja ihmishahmoja. Hänen teoksiinsa eksyy toisinaan myös muun muassa aarnikotkia, mustia panttereita ja Efesoksen Artemis. Hänen teostensa ihmishahmojen vartalot ovat yleensä ihanteellisia. Toisinaan näiden ihmishahmojen välillä esiintyy patriarkaalisten sukupuoliroolien kääntämistä päälaelleen, toisinaan homoromanttisuutta. Muulta osin teosten motiivit ja kuva-aiheet pohjautuvat historiaan ja myytteihin, erityisesti antiikin myytteihin. Sommitelmallisesti hänen teoksissaan otetaan usein vaikutteita Japanin perinteisestä taiteesta: pystysuoruus ja tyhjän tilan arvostaminen osana sommitelmaa.
Ana Grigorescu on taiteilija Art for Soul -kokoelman takana, joka heijastaa syvällisesti hänen yhteyttään luontoon ja henkilökohtaiseen kasvuun. Alun perin Bukarestista, Romaniasta kotoisin olevan Anan elämänmatka vei hänet kotikaupunkinsa energisiltä ja historiallisilta kaduilta rauhallisiin ja luonnonläheisiin maisemiin Helsinkiin, Suomeen. Tämä muutto, yhdessä hänen kokemustensa äitinä, HR-ammattilaisena ja yksinkertaisuuden rakastajana, herätti uudelleen hänen yhteytensä taiteeseen vuosien jälkeen, jolloin hän oli keskittynyt muihin elämän osa-alueisiin. Hänen teoksensa ovat kunnianosoitus luonnon kauneudelle, vangiten orgaanisten muotojen hienovaraista virtaavuutta ja eleganssia. Ana käyttää minimalistisia ja sulavia viivoja korostaakseen lehtien, kukkien ja luonnon elementtien yksityiskohtia, luoden teoksia, jotka tuntuvat sekä rauhallisilta että ajattomilta. Joissakin teoksissa mustavalkoiset sävyt korostavat yksinkertaisuutta, kun taas toiset teokset sisältävät hienovaraisia värejä herättämään tunteita ja elinvoimaisuutta. Jokainen teos kutsuu hiljaiseen pohdiskeluun, pyrkien tuomaan rauhaa ja kauneutta tiloihin, joissa ne ovat. Anan taide on enemmän kuin vain henkilökohtainen matka; se on myös omistettu hänen tyttärelleen, joka inspiroi häntä päivittäin opettamalla itseluottamusta ja itsensä löytämistä. Hänen työnsä heijastaa tasapainoa ammatillisen elämän, luonnonrakkauden ja syvän perheyhteyden välillä.
Herkkänä ja syvästi tuntevana sieluna Saara Tani käyttää sivellintään kuin taikasauvaa ilmaisemaan itseään rohkeilla väreillä, muuntaen energiaa ja tunteita upeiksi taideteoksiksi. Tanille taide perustuu emotionaaliseen parantumiseen ja tunteiden ilmaisuun, ja hänen tavoitteenaan on, että se puhuttelee muita syvemmällä tasolla ja antaa heille helpotuksen tunteen riippumatta siitä, missä tilanteessa he ovat elämässään sillä hetkellä. Hänen taiteensa ammentaa usein inspiraatiota teemoista, kuten universaali rakkaus, vahvojen tunteiden käsittely, parantuminen, itsensä rakastaminen ja henkilökohtainen kasvu sekä henkisyys ja korkeampi minä. Tanille taiteen tekemisen missio on edistää maailman muuttamista paremmaksi paikaksi ja auttaa ihmisiä, jotka ovat parantumismatkalla. "Haluan levittää rakkautta, valoa, lohtua ja toivoa." - Saara Tani.
Matilda Palmu on Helsingissä työskentelevä taiteilija ja muotoilija (MA). Hänen töissään yhdistyvät kirkkaat värit, leikkisä ilmaisu ja tarinallisuus. Matildaa kiinnostaa teoksen ja sen ulkoasun välinen ristiriita, ja usein söpöjen teosten taustalla onkin syvällisempiä ja hyvin henkilökohtaisia tarinoita. Matilda uskoo leikin, söpöyden ja lapsenmielisyyden olevan maailmaa muuttavia supervoimia ja hän tahtoo teoksillaan ilahduttaa ja tuoda väriä ympäristöön. Ryhmänäyttelyyn tuleva käsin-tuftattu teos “Daffodil” (2023) tuo kesän lämmön ja pehmeyden keskelle talvea. Teos on osa laajempaa teoskokonaisuutta “Garden of Eden” (2023), joka on ollut esillä hänen aiemmissaan näyttelyissään. Kukkateema toistuu usein Matildan teoksissa ja hän käyttää kukkia symboloimaan muun muassa tasa-arvoa ja yhdenvertaisuutta sekä sukupuolen ja seksuaalisuuden moninaisuutta.
Sanna Koskimäki toimii taideopettajana sekä vapaana kuvataiteilijana Helsingissä. Hänen teostensa kantavana voimana on kokemus yhteenkuuluvuudesta luonnon kanssa. Läpi aikojen luontosuhde on yhdistänyt meidät tässä hetkessä elävien organismien, menneiden ja tulevien eliöiden ja materian kanssa. Häntä kiehtoo erityisesti tyhjän kankaan pinnan muuttaminen elämää pursuavaksi tarinaksi. Teoksen herättäminen saa hänetkin eloon. KOOLA art spacen ryhmänäyttelyssä häneltä on esillä kolmen teoksen sarja, joiden aiheena on eläinten kvääriys (queer). Yksi teoksista esittää mustajoutsenparia, joista jopa neljäsosa on homoseksuaaleja ja kasvattavat poikasia homoparina, eli käytännössä joutsenpari ryöstää poikaset emon munittua ne. Tästä teos saikin nimensä: ”Lover, let’s steal a child”. Rakkaus, seksuaalisuus ja halu perustaa perhe ovat universaaleja tarpeita myös muilla eläimillä. Koskimäen mielestä on kiehtovaa, ettemme ihmislajina ole yksin tunteidemme, varsinkaan niiden riipaisivimpien, kanssa.
Juulia Jurvanen on helsinkiläinen kuvataideopettaja, taiteilija TaM ja Sosionomi. Hän rakastaa maalaamista ja värejä. Hän on romantikko, ja maalaa intuitiivisesti ja tunteella.Jurvasta kiinnostavat hallitsemattomat asiat, ja hän pyrkii luomaan teoksiinsa hieman mystisiä maailmoja. Hänen teoksensa Hellä hämärä viittaa tutuksi tulemiseen omien pelkojen ja elämän kummallisuuksien kanssa. Kaikkea ei tarvitse selittää, selvittää tai juosta läpi. Hänelle on tärkeää, että maalaaminen on hidasta, jotta hektisessä ajassa on mahdollisuus hiljentyä, viipyillä ja tutkiskella tuntematonta. Lähellä hänen sydäntään ovat myös mielenterveysasiat ja yhteiskunnalliset teemat. Hän valmistelee parhaillaan yksityisnäyttelyä vuodelle 2025, joka liittyy mielihyvän tavoitteluun ja riippuvuuksiin.Jurvanen maalaa öljyväreillä työhuoneellaan Vallilassa.
Sofia Simelius on keraamikko ja keramiikkataiteilija, joka työskentelee erilaisten kivitavarasavien kanssa. Materiaalisuus ja toiminnallisuus kiehtovat Sofiaa, ja hän tutkii saven luontaista tilallisuutta ja sen yhteyttä ympäristöömme käyttämällä luonnonmateriaaleja ja puupoltto-tekniikoita. Hän asuu ja työskentelee Helsingissä.
on Helsingissä asuva taiteilija, joka muutti vuosia sitten Norjasta Suomeen. Hän nauttii tarinoiden kertomisesta kuvien kautta ja tunteiden sekä emotionaalisten kokemusten kuvaamisesta. Ajami kasvoi Iranissa nähden monia vahvoja naisia taistelemassa oikeuksiensa, oikeudenmukaisuuden ja tasa-arvon puolesta, mikä teki hänestä intohimoisen luomaan vaikuttavia kuvituksia muutoksen aikaansaamiseksi. Hänen pilakuvansa ja toimitukselliset työnsä käsittelevät sosiaalisia ja emotionaalisia kysymyksiä sekä ihmisoikeuksia, keskittyen erityisesti naisiin ja lapsiin. Ajami alkoi työskennellä sanomalehtien, aikakauslehtien ja julkaisujen kanssa voitettuaan useita palkintoja kuvituksistaan ja pilakuvistaan. Vaikka hän oli vuosien ajan sitoutunut tukemaan naisten oikeuksia ja kärsi järjestelmällisestä sensuurista, hän joutui joskus jopa harjoittamaan itsesensuuria, mikä pakotti hänet jättämään kotimaansa vuonna 2011. Hänen teoksensa kattaa visuaalisen taiteen, kuvituksen, graafisen suunnittelun, pilakuvat ja kuvakirjat. Hän on työskennellyt projekteissa, jotka vaihtelevat lastenkirjoista toimituksellisiin kuvituksiin sekä palkittuihin pilakuviin. Ajamin teoksia on julkaistu lukuisissa kirjoissa ja monenlaisissa taidekatalogeissa.
Sini Suodenjoki on hyvinkääläinen kuvataiteilija ja yhteisötaiteilija. Hän on valmistunut kuvataiteilijaksi Lahden taideinstituutista 2010 ja 2021–2022 hän täydensi osaamistaan ylemmällä korkeakoulututkinnolla kulttuurihyvinvoinnin opinnoissa Kaakkois-Suomen ammattikorkeakoulussa. Sinillä on yli kymmenen vuoden kokemus taiteilijan työstä. Hän yhdistelee työskentelyssään taiteen eri tekniikoita maalaten ja piirtäen sekä tilallisten ja osallistavien teosten luomiseen. Taiteilija kuvaa teoksissaan valon ja varjon suhdetta, luontoyhteyttä sekä ihmisyyttä. Teosaiheet nousevat esille usein itsereflektiosta. Sini on ollut mukana monissa näyttelyissä ja taidetapahtumissa uransa aikana yhteisötaiteilijana, taidetyöpajojen ohjaajana sekä kuvataiteilijana.
Salla Sillgren työskentelee pääosin installaatioiden parissa. Hän käyttää installaatioissaan liikkuvaa ja pysähtynyttä kuvaa, ready made -esineitä sekä keramiikka- ja sekatekniikkaveistoksia. Tällä hetkellä Sillgren työskentelee omakuvallisuuden, surun ja muistijälkien parissa.
Aivan vuosituhannen vaihteen simpukkapuhelimista äitini vanhaan filmikameraan, valokuvaus on ollut minulle elämänmittainen kumppani. Minulla on aina ollut oma näkemykseni, ja olen antanut luovuuteni näkyä myös asiakastöissä. Taiteeni on kantaa ottavaa; haluan tarjota tarkastelijalle kokemuksia ja hahmoja, joihin voi uppoutua.
Nautin queer-yhteisön jäsenten, muiden vähemmistöjen ja vaihtoehtoisten tyylien valokuvaamisesta. Minua inspiroivat vahvat ja ilmaisuvoimaiset persoonat, ja samalla haluan taiteeni olevan ennakkoluulotonta, rajoja rikkovaa ja laajentavaa.
Olen autismikirjolla, ja sen ansiosta pystyn inspiraation iskiessä visualisoimaan mielessäni täydellisesti muodostetun kuvan, jonka haluan tallentaa kameralle. Autismi näkyy myös rajattomassa innostuksessani ja kiinnostuksessani työtäni kohtaan.
Pyrin aina parantamaan taidettani — oli se sitten uusien ilmaisutapojen etsimistä tai syvemmälle tutustumista jo tuntemaani visioon. Valokuvaus on tapani tutkia omaa ihmisyyttäni, ja tämän tutkimusmatkan kautta luoda jotakin merkityksellistä.
Eduardo is a Mexican-born artist and designer based in Helsinki since 2016. His versatile background includes digital design (Ux/Ui), graphic design, visual branding, illustration, and textile design. His preferred activity is pattern- and print-making by hand. His favorite topics for inspiration revolve around nature, culture, and food.
Ximena Gamboa syntyi vuonna 1997 Méridassa, Meksikossa. Hän on maalari ja kuvataiteilija. Ximena opiskeli kuvataiteita ja oli vuonna 2019 vierailevana opiskelijana Münsterin taideakatemiassa Saksassa, mikä oli hänen taiteelleen merkittävä käännekohta. Hän valmistui Yucatánin taideyliopistosta (UNAY) vuonna 2020 pandemian keskellä, mikä vaikutti myös hänen taiteeseensa. Samana vuonna hän voitti alle 30-vuotiaiden sarjan ensimmäisen palkinnon José Atanasio Monroyn biennaalissa teoksellaan ‘Farbe und Bewegung’.
Ximena asuu nykyään Helsingissä, ja hänen työhönsä vaikuttavat vahvasti Suomen luonto ja kulttuuri. Hän tutkii taiteessaan tasapainoa tuttujen ja uusien ihanteiden välillä. Häntä kiehtoo sattuma, joka ohjaa maailmankaikkeuden laajenemista, ja tämä voima on keskeinen osa hänen taidettaan. Hänen teoksensa etsivät vastauksia vaikeasti tavoiteltaviin kysymyksiin ja omaksuvat käsityksen siitä, että kaikkea ei voi ymmärtää. Universumin alkuperän ja kohtalon käsittäminen on mahdotonta, mutta juuri tämä mysteeri ruokkii hänen luomisprosessiaan. Elämän arvaamattomuus vahvistaa hänen uskoaan sattumanvaraisuuteen ja kohtalon hallitsemattomuuteen.
Ximena pitää pyhinä sielua koskettavia yhteyksiä—perhettä, luontoa, ystävyyttä ja yhteisöä—jotka muokkaavat hänen arjen rituaalejaan. Taiteen tekeminen on hänelle pyhä teko, joka kumpuaa sisäisestä tarpeesta. Maalaaminen on hänelle kuin meditaatiota, jossa tarkoitus muuttuu muodoksi. Jokainen teos on kuin ‘rukous sattumanvaraisuudelle’, ja hän saa inspiraationsa luonnon liikkeistä—muurahaisten levottomista poluista, pyörteilevästä vedestä ja äkillisistä salamaniskuista.
Kankaiden koko on olennainen osa hänen prosessiaan; pienet kankaat kutsuvat tarkkoihin yksityiskohtiin, kun taas suuremmat mahdollistavat laajoja, ekspressiivisiä eleitä. Ximenan tekniikka keskittyy väreihin, ja hän yhdistelee perus- ja välivärejä valkoiseen luodakseen syvyyttä ja monitulkintaisuutta. Hänen intuitiivinen lähestymistapansa maalaamiseen muistuttaa tanssia, joka kehittyy askel askeleelta ja heijastaa hänen sisäistä tilaansa. Teostensa kautta hän tarjoaa abstraktin näkökulman elämään—matkan, joka vaatii kestävyyttä ja jota värittävät ohikiitävät ilon hetket.
about koola
KOOLA Art Space is an artists run multidisciplinary art venue and pop-up gallery dedicated to fostering cultural diversity and artistic expression. We organize a wide range of cultural and art events, offering a platform for emerging and established artists across various disciplines.
Our mission is to create an inclusive and accessible environment where art can be experienced by everyone. With a focus on community engagement, KOOLA Art Space is committed to making art approachable.
If you have an idea, question or collaboration proposal don’t hesitate to contact us!
Safe Space Policy
At KOOLA art space, we are committed to creating a welcoming and inclusive environment for everyone.
Our gallery is a safe space where diversity is celebrated and respect is paramount. We do not tolerate any form of discrimination, harassment, or exclusion.
We invite all visitors and artists to engage with empathy and kindness, honoring the varied experiences and identities that enrich our community.
If you experience or witness behavior that contradicts these values, please let us know immediately. Together, we can ensure a positive and supportive atmosphere for all.
Contact
Drop us a line at koolartspace@gmail.com
© 2024 KOOLA art space